March 2023

Monique Recknagel celebrated the 15th birthday of her label Sonic Pieces this March and duly did so with the release of »Innemuseum.« The debut album by Danish composer and multi-instrumentalist Cecilie »Cisser« Mæhl is reminiscent in its approach of recent releases by Joana Guerra or Mabe Fratti, among others: Vocals, the use of various acoustic instruments and electronic sound come together in pieces that structurally take up various song traditions from folk to pop, but at the same time expand upon and add more nuance to this compositional directness through sonic interventions. It is, as the title already suggests, a personal album, but one that offers much to relate to due to its complexity. It is intimate yet expansive like so many of the releases on Sonic Pieces. A beautiful, beautifully modest birthday present to the audience of this outstanding label.

For »Terra,« Luca Forcucci collected field recordings in Los Angeles, the Brazilian city of Recife and Beirut. The Berlin-based composer and sound artist presented them, together with a graphic score, to the cellist Noémy Braun and the percussionist Lucas Gonseth, who, together with Forcucci on live electronics, fleshed out the music over three days for a subsequent performance, which is documented on this album in five pieces. The transformational work process obviously feeds off the conceptual superstructure and shapes it aesthetically: All the different elements on »Terra« seem to be constantly in motion, rubbing up against each other and finding a strange harmony in the supposed sonic chaos. This is the sound of an earth whose modus operandi sometimes elude comprehension.

With the label Zabte Sote, the artist Ata Ebtekar a.k.a. Sote offers a platform to artists from Iran and the Iranian diaspora. The stylistic range is impressive and it is not at all uncommon for very different genres, styles and artistic approaches to meet on individual releases. This is also the case on »nhA,« the new album by Soheil Shayesteh. The Amsterdam-based violinist and kamancheh player pursues an improvisational approach that is sonically expanded through the use of live electronics. Over the course of seven pieces, a nuanced soundscape unfolds that encompasses abrasive electronic sounds, pulsating rhythms and moments of thoughtful calm. Even vocals can be heard on the appropriately titled »Suspense,« a wordless yet haunting standout piece.

Andrea Belfi ist ein umtriebiger Schlagzeuger, der die Möglichkeiten seines Instruments ständig erweitert und sich auch als Künstler dem konstanten Wandel verschrieben hat. Für »Eternally Frozen« hat er mit den Zinc and Copper-Mitgliedern Elena Kakaliagou am französischen Horn und Robin Hayward an der Tuba sowie Henrik Munkeby Nørstebø an der Posaune drei Größen der Berliner Szene für zeitgenössische und improvisierte Musik ins Studio geholt, um mit ihnen Kompositionen einzuspielen, die strukturell auf Kanons basieren. So klingen dann auch die fünf Stücke: zirkulär und doch stets in Veränderung begriffen, irgendwie formstreng und doch losgelöst von allen Konventionen. 

»elletsreuef« dokumentiert eine knapp halbstündige Performance der Echtzeitmusik-Pionierin Andrea Neumann beim Stockholmer Festival MONOPIANO im Jahr 2021. Neumann erkundet darin das Innenklavier, mit dem sie seit schon so langer Zeit arbeitet und dem sie doch immer neue Klänge zu entlocken vermag, hier anscheinend mit Kontaktmikrofon oder mittels Close Miking und auf jeden Fall viel Verzerrung: Elektronischer Noise steht am Anfang, zwischendurch ertönen die Saiten, die mal gezupft und mal gerieben werden, am Ende leitet dröhnender Krach das Finale ein. Die Dramaturgie ist ebenso simpel wie effektvoll, inszeniert die einzelnen Abstecher Neumanns in verschiedene Klangregister als aufregende Berg- und Talfahrt.

Bereits vor zwei Jahren erschien mit »Travelogue [Nepal]« von CM von Hausswolff & Chandra Shukla ein Album, für das sich die beiden in Kathmandu getroffen hatten, jetzt folgt mit »Travelogue [Bali]« eine weitere Ausgabe ihres internationalen Audio-Tagebuchs. Kurz bevor die Pandemie die Welt auf den Kopf stellen sollte, sammelten sie Aufnahmen von religiösen Zeremonien, der balinesischen Flora und Fauna sowie – natürlich! – Gamelan-Performances. Die beiden präsentieren das aber nicht als exotistische Diashow, sondern verdichten ihr Ausgangsmaterial. Bali klingt auf diesen fünf Stücken wie durch verschwommene Erinnerungen gefiltert.

Seit knapp fünf Jahren veröffentlicht die US-amerikanische Vokalistin und interdisziplinär arbeitende Künstlerin Megan Mitchell unter dem Namen Cruel Diagonals Musik, »Fractured Whole« ihr bereits drittes Album in dieser kurzen Zeit. Mitchell lässt sich wohl als Virtuosin bezeichnen, nutzt ihre breiten gesanglichen Fähigkeiten aber nicht etwa, um diese zur Schau zu stellen. Vielmehr inszeniert sie die im Albumtitel angesprochene Zerrissenheit als Polylog mit sich selbst und rahmt die bisweilen im Widerstreit stehenden Stimmaufnahmen mit scharfkantigen elektronischen Klängen ein. Das verleiht »Fractured Whole« einen gleichermaßen abstrakten Charakter wie es emotionale Durchschlagskraft erzeugt. 

Mit »Still« versucht der peruanische Komponist Efraín Rozas, sich vom westlichen Paradigma der Linearität loszueisen. Die quadrophonische Installationsarbeit wurde im Jahr 2021 während einer Residenz im New Yorker Queensland konzipiert und wirft im Albumformat die ihr zugrundeliegende Frage mit noch mehr Dringlichkeit auf. Lassen sich diese beiden, auf zwei LP-Seiten verteilten Stücke auf eine nicht-lineare Art und Weise rezipieren? Dass sie auf kompositorischer Ebene – bei dem einen Stück wird ein elektronischer Drone, im anderen in unregelmäßigen Intervallen erklingendes dumpfes Donnern hörbar – dem entfliehen möchten, wird allemal deutlich.

Nicht weniger als »Masterpieces of electroacoustic music« verspricht die Anthologie »Les Espaces Électroacoustiques III« zu bieten. Die dritte Ausgabe der laufenden, gemeinsam von col legno mit dem Zürcher Institute for Computer Music and Sound Technology betreute Serie umfasst Stücke aus den Jahren 1986 bis 2007, darunter solche von José Manuel López López, Kaija Saariaho und Peter Ablinger, und legt in dieser Auswahl einen thematischen Schwerpunkt auf die Entwicklungen im Bereich der Live-Performance elektronischer Musik seit Anbruch des digitalen Zeitalters. Auch ohne komparatistischen Blick darauf hat diese Zusammenstellung tatsächlich viel zu bieten. 

Musik kann den Raum überbrücken, ist doch aber nie ortlos. Mayssa Jallad nutzt auf »Marjaa: The Battle of the Hotels« die Potenziale dieses vermeintlichen Problems aus. Die Stadtforscherin und Architekturhistorikerin verknüpft darauf mithilfe von Produzent Fadi Tabbal sowie Gastmusiker:innen wie Youmna Saba ihre Forschung über die Geschichte des Beiruter Hotelbezirks als eine Art fiktionalisierter und doch historisch informierter Psychogeografie. Auf musikalischer Ebene schöpft sie als versierte Sängerin aus einem reichen Fundus folkloristischer und populärer Formen, die sie gekonnt miteinander in Bewegung setzt. 

Mit »Affects and aesthetic speculations« übersetzt der Architekt und Klangkünstler Nicola di Croce eine ihn umtreibende Frage in sechs Stücke, für die Field Recordings aus Europa und vor allem seinem Herkunftsland Italien als Ausgangspunkt dienten: Wie kann sich ein Subjekt auf seine Umgebung »einstimmen«? Dazu präsentiert di Croce verschiedene Szenerien der »menschlichen« und »natürlichen« Welt, die bei genauem Hinhören viel Vertrautes bieten und doch eine Art Entfremdungseffekt auslösen. Die Atmosphäre eines Ortes erwächst schließlich immer aus diesem Widerspruch.

Das US-amerikanische Label Important kümmert sich weiterhin intensiv um die Aufbereitung von Pauline Oliveros’ breitem Schaffen. »The Well & The Gentle« versammelt verschiedene Aufnahmen aus dem Jahr 1984, die dereinst auf einer seit langem vergriffenen LP dokumentiert wurden. Die in verschiedenen Varianten mit dem Kammerensemble Relâche eingespielten Titelstücke sowie zwei zusätzliche Kompositionen sind von einer Lebendigkeit, wie sie Seltenheitswert hat, und legen Zeugnis von Oliveros’ radikalem Ansatz ab: Musik wurde von ihr als soziale Praxis verstanden, die einer kollektiven Feier von Klang und den sich damit umgebenden Menschen gleich kam. 

Nachdem der polnische Komponist Piotr Kurek im vergangenen Jahr mit »Edena« eines seiner Frühwerke neu aufgelegt und zugleich mit dem Album »World Speaks« viel Aufmerksamkeit auf sich gezogen hat, meldet er sich nun mit einer neuen LP zurück. »Peach Blossom« ist geprägt von Kureks markantem Umgang mit Stimmen, die elektronisch verfremdet und assemblagemäßig miteinander in Bewegung gesetzt werden. Die Grenzen zwischen elektronischen, instrumentellen und menschlichen Klängen verschwimmen wieder und wieder. 

Unvorstellbar für Berliner:innen, aber: Wenn Richard Skelton in den Nachthimmel schaut, gibt es dort viel zu sehen. Das Album »selenodesy« des britischen Komponisten zeigt sich inspiriert davon, dass er in seiner neuen Heimat im englischen Northumberland einen Ort mit geringer Luftverschmutzung und also bestmöglicher nächtlicher Aussicht gefunden hat. Zu diesem potenziell kosmischen Sujet passt es also, dass Skelton seine Auseinandersetzung mit Elektronik und Synthesizern vertieft. Der seine Musik durchwirkende minimalistische Ansatz bleibt ihr jedoch erhalten: Langsam und bedächtig baut er subtile Dynamiken auf. Der Sound planetarischer Bewegungen am Himmelszelt, sozusagen.

Die nimmermüde Schlagzeugerin Valentina Magaletti und die Multiinstrumentalistin Laila Sakini bilden ein perfektes, weil sich nahtlos ergänzendes Duo. Beide haben auf sehr unterschiedliche Arten eine musikalische Poetik der kleinen Gesten entworfen und verweben ihre jeweiligen Ansätze auf den zwei Stücken von »CUPO« zur Perfektion. Anklänge von folkloristische Formen, Jazz oder Pop werden klanglich durch elektroakustische und elektronische Mittel in Szene gesetzt. Das ergibt eine ziemlich einmalige, intime und eindringliche Mischung. 

Kaum zu glauben, aber Marc Sinan hat neben seiner Arbeit mit der eigenen Company offenkundig noch die Zeit zum Schreiben gefunden. Sein Romandebüt »Gleißendes Licht« schöpft aus der Biografie des Komponisten und erzählt die Geschichte eines, na eben, Komponisten, der in der Türkei seiner eigenen Familiengeschichte nachforscht und sich darüber unweigerlich mit dem Genozid an den Armenier*innen auseinandersetzen muss. Das macht diesen Roman, veröffentlicht nur wenige Woche vor dem Jahrestag des Völkermordbeginns und Monate vor Neuwahlen in der Türkei, brandaktuell. Weiterhin gehört es zur Staatsräson, die systematische Verfolgung und Ermordung von bis zu 1,5 Millionen Menschen herunterzuspielen, wenn nicht gar direkt zu leugnen. 

Dass es sich bei »Méandre(s) – An experience in spontaneous, collective creating« nicht allein um ein Buch handelt, sollte allein der Titel bereits verdeutlichen. Die Veröffentlichung geht auf eine dreitägige Konferenz im Sommer 2021 zurück, die hier multimedial festgehalten wird. Die DVD umfasst einen Film Camille Auburtins über das Zusammentreffen, die CD neben einer Musique-concrète-Komposition Lionel Marchettis auszugsweise Mitschnitte der dortigen Diskussionen und das Buch mit französischsprachigen Beiträgen von unter anderem Anne Steiner, Benjamin Bondonneau und Vincent Fleury macht die aufgeworfenen Fragen zu Themenkomplexen wie Spontaneität und Kollektivität in Form von Essays, die wiederum von Fotos eingerahmt werden, für die Nachwelt urbar. Sehr viel Stoff auf einmal, deshalb aber lohnenswert. 

»Anthony Braxton. Creative Music« versucht das nahezu Unmögliche: Dem Schaffen Anthony Braxtons gerecht zu werden. Über 700 Seiten widmet Timo Hoyer dem AACM-Mitglied, dessen Wirken immer wieder die künstlichen Grenzen zwischen E- und U-Musik unterlief und ihnen eine künstlerische Vision entgegenstellte, in die viele theoretischen Überlegungen einflossen und die in der Praxis vor allem eins macht: einen Heidenspaß. Dass einem dermaßen flexiblen Komponisten, Musiker und Denker ein solch monumentales Buch gewidmet wurde, ist da eigentlich ein schöner Widerspruch.